24 HORAS DIARIAS SIN LÍMITES PUEBLA
Las opiniones expresadas por los columnistas son independientes y no reflejan necesariamente el punto de vista de 24 HORAS.
Cuando el Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA) abrió sus puertas por primera vez en 1929, los fundadores de ese santuario artístico soñaban con crear un espacio en el que el arte más provocador y vanguardista lograra un completo equilibrio con los logros artísticos. . logrado en el pasado inmediato. La reciente remodelación y ampliación de sus instalaciones en 2019 ha propiciado la creación de galerías cuidadosamente coreografiadas donde conviven y contrastan diferentes disciplinas: fotografía, pintura, escultura, arquitectura, diseño, obra en papel, arte performativo, multimedia y cine. .
Ubicado en el corazón de Manhattan, forma parte del tejido urbano de la zona. El MoMA está en la calle 53, 11, entre las avenidas Quinta y Sexta, ocupando casi una cuadra completa. Su discreta fachada no es tan impresionante como la de otros museos, por mencionar el Guggenheim, el Museo Americano de Historia Natural o los recintos estilo MET, pero como un buen libro, la grandeza y significado del MoMA está dentro de ella.
Una impresionante colección permanente de más de 200 mil piezas: 30 mil fotografías; 3.700 pinturas y esculturas; 11 mil dibujos; 2.200 videos; 61 mil grabados y libros; 30 mil películas; 3.000 obras de arte performativo y 32.000 obras de arquitectura y diseño. Esta mezcla ecléctica de estilos, artistas y vanguardias tiene una premisa convincente: el arte de nuestro tiempo (arte moderno) es tan importante como el arte realizado en el pasado. A lo largo de sus 6 pisos y un sótano, el MoMA representa una experiencia en la apreciación del arte y su evolución.
Exposiciones temporales legendarias: la de su inauguración, con arte postimpresionista en 1929; Picasso: 40 años de arte (1940); El arte gráfico de Edvard Munch (1957); Cartier-Bresson (1968), Manuel Álvarez Bravo (1971), Andy Warhol: una retrospectiva (1989), Jackson Pollock (1999); el centenario de Jean Vigo (2005); Wack!: Female Art and Revolution (2007) y René Magritte: The Mystery of the Ordinary (2013), entre muchos, muchos otros, han sido un colorido y fascinante mosaico de arte moderno. El MoMA vive dentro del eterno dilema entre lo que es arte y lo que no es, subsistiendo entre el público que aplaude y espera nuevas expresiones artísticas, y esos puristas que no dejan de mirar hacia el renacimiento, negándose a revisar las inquietudes de las nuevas voces.
La creación de Abby Aldrich Rockefeller, Lillie P. Bliss y Mary Quinn Sullivan, fundadoras y coleccionistas del MoMA, ha crecido a lo largo de los años hasta convertirse en un templo indiscutible del arte. Hoy en día, es uno de los 10 museos más visitados del mundo y parada obligatoria en Nueva York. Perderse en sus laberínticos e inmensos espacios es un deleite indescriptible que llena los sentidos de color y vanguardia.
Dejando a un lado el sexto piso, que es un espacio para exposiciones temporales y una tienda, el recorrido por el MoMA debe comenzar desde el quinto piso. La recomendación es llegar 30 minutos antes de la inauguración, para poder apreciar mejor lo que para muchos es el punto culminante del museo: la galería "1880-1940". Como Dante Alighieri, el visitante tendrá que emprender un descenso, pero en este caso no es al infierno, sino a un viaje que comienza surrealista, avanza hacia la abstracción y termina en películas y performances experimentales. El viaje da una idea exacta de la evolución del arte y del propio museo a lo largo de los años.
Lo primero que se puede ver es La noche estrellada (1889), de Vincent van Gogh, el famoso cuadro postimpresionista que mezcla cielos arremolinados con un amarillo reluciente. Las tribulaciones físicas y mentales del pintor se reflejan en una obra que llama la atención de inmediato gracias a su carga cromática y perspectiva melancólica. Cientos de personas pasan muchos minutos contemplando sus trazos, llenos de expresión, simbolismo y sentimientos.
En la misma columna, detrás del cuadro de Van Gogh, se encuentra La persistencia de la memoria (1931), de Salvador Dalí. Icono del surrealismo, este pequeño lienzo está lleno de detalles lúgubres y alucinógenos; un paisaje de ensueño habitado por relojes que se derriten como quesos y hormigas que comen metal. Una criatura monstruosa descansa en el centro con una calma sospechosa. Es un paisaje de sueños vívidos que parece resumir las intenciones de los surrealistas: desestabilizar las normas culturales y sociales, mientras describen sueños e ideas únicas con su arte.
A pocos pasos, en una íntima habitación separada, se encuentra Water Lilies (1914-26), del artista francés Claude Monet. Una obra maestra del impresionismo, este es un tríptico densamente compuesto de paneles del tamaño de una pared que representan plantas acuáticas que florecen en un estanque verde / azul brillante, con reflejos de nubes moteadas de púrpura. La vista se pierde en esta inmensa extensión de agua y luz, creando una sensación única de inmersión total dentro de la pintura para el espectador.
El MoMA alberga dos obras del gran artista belga René Magritte: The Threatened Assassin (1927) y The False Mirror (1929), provocativas obras surrealistas que se esconden dentro de una distorsión de la realidad, obligando al público a cuestionar quién está viendo a quién. Un ojo enorme que actúa como umbral entre el mundo real y el fantástico, provoca una encrucijada entre mirar y ser observado por el lienzo hipnotizante. La perspectiva onírica de las escenas de Magritte transmite una extraña paz, en parte debido a los tonos claros de sus pinturas.
El artista conceptual más influyente del siglo XX, Marcel Duchamp, que elevó los objetos cotidianos a la categoría de arte y cambió para siempre la forma de verlos, está presente en esta galería con Rueda de bicicleta (1951), un ready-made (objetos comunes tomado de su entorno y presentado como arte) provocativo que no es más que un taburete robado de Brooklyn y una rueda de bicicleta parisina, unidos. Duchamp pensó que lo más importante en el arte era la idea del artista.
La versión original de esta obra de 1913 se perdió inesperadamente. La que se encuentra actualmente en el MoMA es una tercera versión, que sigue siendo polémica entre sí, sea arte o no. Duchamp estaba interesado en la transmisión de la idea artística, la apariencia física exacta no le importaba tanto. Cuando presentó Rueda de bicicleta, la comunidad artística estaba encima de él, porque era un enfoque que abría demasiadas puertas al futuro. Sin embargo, a lo largo de los años se convirtió en la piedra angular de la creación artística del siglo XX. Iconoclasta y revolucionario, Duchamp dice de su creación, uno de los primeros ejemplos de arte cinético:
Ver girar la rueda fue muy relajante, muy reconfortante. Una especie de apertura de posibilidades hacia otras cosas distintas a la vida material de cada día. Me gustó la idea de tener una rueda de bicicleta en mi estudio. Disfrutaba viéndola, del mismo modo que disfrutaba viendo las llamas danzar en una chimenea. Era como tener una chimenea en mi estudio.
Autorretrato con el pelo cortado (1940), de Frida Kahlo, forma parte de la mirada femenina que inunda las salas del museo. En este óleo sobre lienzo, la pintora mexicana alude a su propia bisexualidad y al aislamiento recurrente que la llevó a pintar autorretratos; Siempre enigmáticos, los mechones de cabello esparcidos por el suelo dan un aspecto siniestro, que contrasta con la paz que transmite la letra de una canción en la parte superior del cuadro.
Remedio Varo con El malabarista (1956), adquisición muy reciente del museo, es una obra en la que el artista busca encontrar respuestas a los misterios del universo a través de la magia. Por otro lado, la estadounidense Dorothea Tanning ofrece la amenazadora El tiempo, tiempo off (1948), una obra llena de surrealismo. La propia autora, esposa de Max Ernst, explicó que no había otro placer para el artista que competir con la luna y el sol, romper toda su lógica.
Joan Miró realizó su lienzo El nacimiento del mundo (1925) en la finca de la familia Montroig, en su Cataluña natal. Venía del éxito alcanzado entre los surrealistas en París y existía la incertidumbre de lo que presentaría ahora. Luego, explotó su creatividad interior, avanzando más allá de las convenciones de la pintura de la época, a través de formas abstractas que evocan un comienzo, una génesis. Escisión absoluta entre el fondo y las imágenes superpuestas, en este cuadro la radicalidad de sus trazos es revolucionaria.
El recorrido continúa, mientras la mirada se llena de nombres e imágenes que todos creen haber visto antes en otros lugares. Una de las cualidades del MoMA es la forma en que conviven lo que los expertos llaman el “canon” (grandes obras maestras del arte moderno que encarnan la narrativa del arte del siglo XX y más allá), con obras quizás menos conocidas, pero no menos. interesante por eso. Es por eso que nombres famosos se mezclan con artistas de Asia, África, Medio Oriente y América Latina, que emiten junto a sus obras una curiosa sinfonía visual.
Dos cuadros del fovista francés Henri Matisse: Lujo, calma y voluptuosidad (1904) y Danza (I) (1909), con ese característico y provocativo uso del color, adornan la galería. El primero es un poema de pinceladas que transmite una tarde serena con sus colores claros y brillantes. El segundo usa solo azul, verde, negro y rosa para representar figuras humanas dinámicas. Línea, color y forma se funden para lograr una fluidez que no se preocupa por los detalles.
Broadway Boogie-Woogie (1942-43), del pintor holandés Piet Mondrian, miembro de la corriente De Stijl y fundador del neoplasticismo, pasó del naturalismo y el simbolismo a la abstracción. En este lienzo que parece tener vida gracias al uso de líneas verticales y horizontales, se acompañan de amarillos y rojos que incluso transmiten una sensación musical. Aquí se captura la turbulencia de la vida nocturna de Nueva York, de la que Mondrian se enamoró desde el primer momento en que se conoció. La combinación de colores y formas en la pintura, además del título en sí, es un homenaje a la Gran Manzana.
La obra radical y violenta de David Alfaro Siqueiros vincula el arte y las ideas políticas en una voz que exalta un arte nacional, inclusivo de las culturas y pueblos indígenas mexicanos. Collective Suicide (1936) es una visión espantosa de la conquista española en América, con todas las sangrientas atrocidades que aquí parecen salir del cuadro. Obligados al infierno de la muerte o la esclavitud, los conquistados deciden morir en un suicidio colectivo en lugar de someterse, una metáfora que funciona como un empoderamiento a través de la imagen dura y agresiva de la línea de Siqueiros.
Otras obras e ideas relevantes de la sección son: el expresionismo de Calle de Dresden (1908), de Ernst Ludwig Kirchner; Motherhood in Hope II (1907-08), de Gustav Klimt; el urbanismo de El Metro (1928), de José Clemente Orozco; el oscuro misterio de Night Windows (1928), de Edward Hopper; El cubismo de Pablo Picasso en Mujer arreglando su cabello (1940); La agresividad de los animales (1941) de Rufino Tamayo; el universo onírico de una vieja conocida, Leonora Carrington con Y luego vimos La hija del minotauro (1953) y el estilo dantesco del británico Francis Bacon en Pintura (1946).
Bajar un nivel al 4º piso para entrar a la galería "1940s-1970s" implica avanzar en la historia del arte moderno, que de una forma u otra es la historia del propio MoMA. Aquí el arte clásico comienza a quedarse atrás, para dar paso al expresionismo abstracto y al arte conceptual.
Jackson Pollock, el atribulado pintor estadounidense, un referente absoluto en la pintura de acción y la pintura abstracta, murió a los 44 años mientras conducía ebrio en un accidente automovilístico. Su vida siempre estuvo atormentada por un alcoholismo que acabó catarsis en su obra, que incluye más de 900 obras, entre pinturas y dibujos. Uno: número 31, 1950 (1950) es quizás su obra más famosa e impactante, donde la técnica del goteo confunde y fascina al espectador.
Los hilos de esmalte, a veces delgados, a veces gruesos, recorren el espacio del lienzo de forma aleatoria y surrealista, sin un claro punto de fuga. El automatismo psíquico, mezcla de abstracción con liberación del inconsciente, alcanza aquí niveles inesperados en la intuición pura del artista. El color negro contrasta con el fondo claro y es ahí donde se aprecian las formas; en la ligereza de un color verdoso que raspa los recovecos de la intensidad frenética de su fuerza visual. Donde algunos encuentran el comienzo de la existencia misma, otros ven la ferocidad de la naturaleza salvaje. Personalmente, encuentro en la pintura de Pollock el universo caótico de una ciudad moderna.
No es un cuadro que hay que entender, hay que disfrutar. Justo enfrente del enorme lienzo, hay un banco donde los visitantes pueden pasar horas mirando la pintura. La sensación hipnótica e inmersiva de la pintura salpicada y goteando es coherente con la intención del autor de nombrar sus cuadros con números. Pollock no quería que la gente buscara ideas o interpretaciones preconcebidas de su trabajo, quería que se conectaran con el trabajo por lo que realmente es: pintura pura y nada más.
Si en el quinto piso del MoMA el surrealismo era el eje, aquí el expresionismo abstracto es el que marca el paso. Sonja Sekula, artista y activista suiza, vinculada a este movimiento, está presente en la galería con la maravillosa El pueblo de los pobres (1951). La perspectiva desde su estudio en Nueva York, que fusiona una ciudad que crece en tamaño y caos. Los tonos azules y amarillos ejercen una melancólica sensación de incertidumbre hacia el futuro, mientras que los grises evocan la fuerza del metal. Después de años de problemas mentales, Sekula se quitaría la vida en Zúrich en 1963.
Barnett Newman expone varias obras en el MoMA, pero es una que destaca por ese estilo de lo que se conoce como campos de color, también dentro del expresionismo abstracto. Vir Heroicus Sublimis (1950-51) es un inmenso lienzo de fondo rojo con 5 líneas verticales que lo atraviesan y son variados en tono y grosor. La ambigüedad de la obra, cargada de simbolismo y aspiraciones de trascendencia, da una emoción envolvente. El espectador, al examinar el trabajo de cerca, encontrará que las líneas divisorias también funcionan como marcadores de tiempo y espacio.
Woman I (1950-52) de Willem de Kooning, da la apariencia de un cuadro inacabado, en la frenética búsqueda del artista por encontrar la esencia de su arte. A principios de la década de 1950, muchos pensaban que la figura humana ya no tenía un lugar en la abstracción, sin embargo, de Kooning reinterpreta a las mujeres a través de pinceladas y rasguños agresivos, pareciendo estar delineando una guerra interna. "La carne es la razón por la que se inventó la pintura al óleo", dijo en alguna ocasión el ciudadano holandés, justificando su obsesión por rechazar las representaciones tradicionales de la mujer en el arte.
Sería imposible hablar del MoMA sin mencionar a uno de los artistas visuales más importantes del mundo y referente absoluto en el pop art: Andy Warhol, el estadounidense responsable de las vanguardias que hizo explotar la celebridad, el color y la publicidad en el arte. Aunque también se notó en el cine, con la provocadora película experimental de 485 minutos Empire (1964), un plano fijo del Empire State, filmado desde las 8 de la noche hasta las 3 de la mañana, con fotografía en blanco y negro de Jonas Mekas. El museo presenta la película con las especificaciones que dejó Warhol, en una pequeña habitación oscura donde los visitantes pueden sentarse y contemplar sus desafiantes e hipnóticos fotogramas.
Había algo de cínico y drástico en Andy Warhol al proponer que en las paredes de los coleccionistas de arte adinerados no debería haber temas de élite, sino elementos tan mundanos y comunes como la comida enlatada que consumen las clases trabajadoras. Latas de sopa Campbell (1962) es la reproducción de un objeto de consumo masivo en el sentido más literal. Hay 32 lienzos con cada una de las variedades de sopa Campbell que existían en ese momento; magnéticamente, llaman la atención debido al estilo único del artista de llevar la repetición al extremo.
Warhol usó varias técnicas para sus famosas latas: serigrafía, estampado de caucho y pintura a mano. De las obras más buscadas y queridas del MoMA, Campbell's Soup Cans tiene innumerables historias que explican de dónde vino la inspiración del artista multifacético para crearlas. Algunos dicen que fue porque se amontonaban latas de sopa en su estudio, ya que formaban parte de su dieta diaria; otros lo atribuyen a su descarado gusto por el color, la publicidad y los cómics. Lo cierto es que el contraste del rojo fuego con los detalles dorados y el fondo blanco de los cuadros, en su conjunto, forman una de las imágenes más icónicas del arte moderno, en concreto, del pop art.
Justo en el medio de una de las galerías en el cuarto piso se encuentra el inquietante Accumulation no. 1 (1962), del artista conceptual japonés Yayoi Kusama, una suave escultura en forma de silla invadida por tentáculos fálicos grises. La curiosa pieza da miedo y al mismo tiempo da sensación de delicadeza. La creadora le dio vida en su loft del centro de Manhattan en la locura de los 60, con esa ambiciosa fantasía de cubrir el mundo con sus infinitas redes. También exponente de la instalación, el arte abstracto, la performance y el arte público, Yayoi Kusama, de 92 años, ha tenido varias exposiciones temporales en el MoMa, como la legendaria Love Forever: Yayoi Kusama 1958-1968, de 1998.
El artista pop Roy Lichtenstein y su Girl with a Ball (1961) adornan una pared con su estilo extravagante, cercano al cómic, con esa explosión de color y la manipulación de tonos para alterar los sentidos. El estadounidense toma la imagen de una mujer de un anuncio y la deconstruye en forma de cómic, sin dejar de lado la ironía y el dominio de la línea de su particular estilo; logra convertir el ideal de belleza de esa época en un objeto de consumo.
Los impresionantes e inmensos lienzos de Mark Rothko No. 10 (1950), No. 3 / No. 13 (1949) y Sin título (1968), son los que destacan entre las diversas obras que el pintor de origen lituano exhibe en el MoMA . Bloques de color apenas separados entre sí parecen flotar sobre el fondo liso, creando una experiencia inmejorable con la técnica de pintura de campo de color. Los contornos borrosos permiten que el ojo se mueva suavemente de un color a otro. Tienes que tomarte el tiempo para admirarlos; acércate y deja que la mirada se enfoque y se pierda en la inmensidad del color. Entonces, ocurrirá el milagro al que estará expuesto el visitante que busca una experiencia mística en el arte moderno.
En esa histórica charla que tuvo con el poeta Selder Rodman en 1957, Mark Rothko habló de su obra así:
No soy un pintor abstracto. No me interesan las relaciones entre colores y formas. Solo me interesa expresar las emociones básicas del ser humano (tragedia, éxtasis, fatalidad) y el hecho de que muchas personas se derrumben y lloren frente a mis cuadros demuestra que he logrado comunicar esas emociones básicas. Cuando la gente llora por mis pinturas, está teniendo la misma experiencia religiosa que yo tuve cuando las pinté.
Otras obras relevantes de la planta 4 del MoMA son: Número 107 (1950) de Ad Reinhardt y su misteriosa textura; Phantasy II (1946) de Norman Lewis con su locura en la línea y el color; Lo imposible, III (1946) aterradora escultura de la brasileña Maria Martins; Composición 16 (1954-56), de Beauford Delaney, con el pincel grueso y sugerente cargado de amarillo; La siniestra escultura de Isamu Noguchi Incluso el ciempiés (1952); la innovadora e incómoda Duchampiana: Desnudo descendiendo una escalera (1976) del artista japonés Shigeko Kubota y las poderosas fotografías del escritor, cineasta y fotoperiodista Gordon Parks.
En la nueva reordenación que ha sufrido el museo, el piso 3 es otro espacio dedicado íntegramente a exposiciones y performances de instalaciones temporales, así como a grandes esculturas. Así que el recorrido continúa en el piso 2, donde se puede encontrar una pequeña cafetería y el Laboratorio de Creatividad, un espacio donde se imparten cursos y talleres. Lamentablemente, por el momento está cerrado por la inesperada pandemia del Covid-19, aunque se pueden realizar diversas actividades online en la web del museo.
La galería "1970s-Present" está repleta de arte conceptual, así como grabados, libros ilustrados, visuales, instalaciones y esculturas. Es el lugar donde se puede apreciar la evolución del arte hacia medios totalmente nuevos, provocadores y revolucionarios. Puedes sentir esa extraña sensación de que el MoMA es parte del arte conceptual que presenta y apoya. El visitante puede incluso formar parte de una actuación sin saberlo. Por lo tanto, toda la atmósfera es arte conceptual.
El escultor minimalista Richard Serra con Equal (2015) y Circuito (1972), golpea con enormes piezas y planchas de acero que invitan al visitante a descubrir cómo la relación entre el cuerpo, la escultura y el entorno circundante, va mutando a medida que se adentra en la amalgama multisensorial provocada por el artista. Ocho bloques gigantes y cuatro placas de metal son todo lo que Serra necesita para sorprender y desafiar.
Jeff Koons, uno de los artistas conceptuales y kitsch más importantes de la actualidad, se presenta en el MoMA a través de dos de sus famosas esculturas conceptuales que elevan elementos de la vida cotidiana a la categoría de arte: Pink Panther (1988) y New Vacuum Cleaners. Shelton húmedo / seco en dos niveles (1981). El primero es la fusión de erotismo y dibujos animados; el segundo, son dos aspiradoras revestidas en acrílico que revelan sus cualidades antropomórficas, como explica Koons: “Es un dispositivo que respira. También presenta una sexualidad tanto masculina como femenina. Está provisto de orificios y accesorios fálicos ”.
32 haces de cable de acero de 40 cm de altura son los que componen la obra Leaning (1980) de la artista afroamericana Maren Hassinger, que explota la inquietante relación entre el mundo natural y los materiales industriales. Aquí, el vínculo con las artes escénicas y la danza se revela en el sentido de movimiento expresado por los montones de alambre colocados al nivel del suelo. Parece que son empujados ligeramente por la brisa, mientras que sus formas semi-orgánicas aumentan de tamaño.
El artista plástico brasileño Cildo Meireles no tiene medias tintas cuando se trata de utilizar el arte como arma de protesta. Tres botellas de Coca-Cola extraídas de la circulación común, metafóricamente se convierten en un cóctel Molotov que incluye instrucciones de uso en Inserciones en circuitos ideológicos: Proyecto Coca-Cola (1970). A medida que se acaba el líquido de soda, las conmovedoras declaraciones políticas escritas en las botellas se desvanecen.
Hilo (1990-1995) es una proeza conceptual para Meireles. En un esfuerzo por llevar el dicho "encuentra una aguja en un pajar" a una representación literal, se coloca un monstruoso cubo de heno en el medio de la galería que, en algún lugar del interior, tiene una aguja de oro de 18 quilates, unida a una larga Hilo dorado. La disparidad entre el simple costo del heno y el valioso metal estalla como el olor acre del forraje en toda la habitación. El aspecto sensorial del arte conceptual, en su máxima expresión.
El estadounidense David Hammons con Untitled (Night train) (1989) y Untitled (2010), muestra la evolución de un artista en 10 años turbulentos y en constante cambio. El primero es una escultura urbana; Círculo elegante y perfecto compuesto por botellas de vidrio de bebidas alcohólicas recogidas en lugares sórdidos de Nueva York, con una base de carbón. Los simbolismos utilizados por el autor se refieren a la cultura afroamericana y la nostalgia de finales de los ochenta. En la segunda obra, se encuentra un supuesto cuadro, aparentemente abstracto, envuelto en un plástico andrajoso que sospechosamente tiene los colores de la bandera comunista. Si los agujeros se deben a deterioro o disparos, será el visitante quien decida.
Un boleto gigante de supermercado del mexicano Gabriel Kuri, llamado Sin título (Superama II) (2005), cuelga de una de las paredes del MoMA. Muchos curiosos se acercan para ver de cerca las letras entretejidas en el exclusivo boleto de alfombra de lana. Lo relevante viene en el sentido de elevar al nivel artístico un papel insignificante que regularmente se convierte en basura. Un recibo de compra como reflejo de la eterna relación entre arte y consumismo. Tejida por artesanos de Guadalajara, el gran formato de la obra nos permite adentrarnos en los detalles de un objeto en el que, habitualmente, nunca se presta atención.
Otras obras relevantes e imperdibles en el piso 2: las intrigantes litografías de la norteamericana Julia Wachtel de 1990; la obra de tinta sobre papel de Raymond Pettibon; La devastadora e indescifrable serie de fotografías de Pope How Much is that Nigger in the Window, también conocido como Tompkins Square Crawl (1991). L; la radicalidad de la litografía sin título (1987-90), de Kiki Smith; las eclécticas obras del keniano Wangechi Mutu; la madera simétrica de Casa en el Aire, Ciudad de México, México (1991), del arquitecto mexicano Agustín Hernández Navarro; la desesperación fotográfica de El país inventado (Dios te dará días) (1976), de Antonio Dias; Eduardo Kac y su poema conceptual en Reabracadabra (1985) y Gretchen Bender con su instalación Dumping Core (1984), una aproximación a la distopía tecnológica.
En el 1er piso del MoMA se encuentra el famoso restaurante The Modern, un lujoso espacio culinario que cuenta con 2 estrellas Michelin y las mejores críticas sobre su ambiente y sus platos. A un lado del looby, hay otra tienda de souvenirs y una librería donde se pueden encontrar joyas bibliográficas, litografías, revistas de arte y un sinfín de objetos alusivos a artistas y arte moderno de vanguardia. No es barato, pero muchos de los libros, réplicas de obras y souvenirs solo se pueden encontrar aquí.
Lo mejor de este primer piso está en el hermoso Jardín de Esculturas El Jardín de Esculturas Abby Aldrich Rockefeller, un lugar al aire libre que le permite tomar un respiro mientras sigue viendo y disfrutando de las obras de arte. El museo incluso invita al visitante a convertirse en arte a través de la meditación o al ver y escuchar a los pájaros que se encuentran entre los árboles; Algunas de las 250 especies diferentes de aves que se pueden ver en Manhattan visitan continuamente la zona.
Diseñado por el arquitecto Phillip Johnson en el estilo de una “plaza” italiana urbana, el lugar funciona como un oasis naturalista ubicado en medio de la ciudad de hierro que es la ciudad de Nueva York. Hay dos hermosas fuentes asimétricas que dividen el espacio. Cuesta creer que este lugar sea el mismo que utilizó John Cassavetes en su atrevido ópera prima Shadows (1959), piedra angular del nuevo cine estadounidense.
La escultura Pair of Rock Chairs (1980-81), de Scott Burton, son dos sillas de piedra en las que es posible sentarse y descansar un momento. El artista estaba interesado en que sus obras no solo fueran estéticamente agradables, sino que también tuvieran un uso real. Luego encontró estas enormes piedras en Maryland y las cortó en muebles visualmente rocosos.
El pintor y escultor francés Aristide Maillol aparece en medio del jardín con El río. Iniciada (1938-39; 1943, 1948), la escultura de una mujer reclinada que desprende un aura de desconcierto y agresión. Maillol, trabajó antes, durante y después de la Segunda Guerra Mundial en sus obras, que quedaron marcadas por los horrores que vio. Hoy es imposible ver esta pieza sin la referencia a la siempre despreciable violencia contra las mujeres.
El arquitecto francés Héctor Guimard, exponente indiscutible del Art Nouveau, quiso anunciar con alegría la llegada del metro a la capital francesa. Colocó los icónicos letreros de hierro fundido en plazas y aceras para que todos los vieran. Puerta de entrada a la estación de metro de París (Metropolitain), París, Francia (1900) llegó al MoMA cuando los franceses lo sacaron de sus calles en la década de 1950. La palabra Metropolitain está escrita en una piedra de lava que ha sido pulverizada y recocida para crear una cerámica impermeable. Su forma retorcida y su clásico color verde destacan con una elegancia clásica.
Con casi 70 años y después de la Segunda Guerra Mundial, Pablo Picasso se dedicó a hurgar en su chatarra para producir piezas como su escultura de la Cabra. Vallauris (1950-1952). Una cabra preñada de bronce que conjuga las ideas que tenía Picasso sobre los animales, a los que consideraba seres llenos de emoción y espíritu. Los hijos del pintor cuentan que de niños se vieron obligados a esconder sus juguetes, porque si su padre consideraba que podían ser parte de su obra, no dudó en fundirlos.
Dentro del Jardín de Esculturas, se encuentran las emblemáticas sillas donde los visitantes pueden sentarse. Fueron diseñados a principios de la década de 1950 por el artista Harry Bertoia; Están hechos de una estructura metálica cuadriculada casi transparente que no interrumpe la vista del paisaje. Si presta atención a todo el entorno de la arquitectura del jardín del museo, todas son líneas rectas y horizontales. Entonces, ¿cómo puede surgir esa magia cuando estás sentado allí? La respuesta puede ser la fusión generada por el resplandor del agua en las fuentes, la curvatura de las plantas, el color de los árboles y la fuerza de la arquitectura.
Además de una sospecha inquietante: desde los enormes ventanales del MoMA, alguien puede estar mirando el jardín y los visitantes que deambulan, convirtiéndolos en arte moderno sin saberlo, mientras aprecian las esculturas, se sientan un momento o comen y beber algo en el bar y cafetería del lugar.
Otras esculturas relevantes: Reverso (I-IV). Paris, Couvent du Sacré Coeur e Issy-les-Moulineaux (1908-09), del fovista francés Henri Matisse, y Daphne (1930), del escultor expresionista alemán Renée Sintenis.
En este descenso dantesco emprendido desde lo más alto del MoMA, se llega finalmente a la inevitable apoteosis del lugar y del arte conceptual, gracias a un medio tan novedoso y fascinante como el cine. Ubicado en el sótano del museo, se encuentra The Debra and Leon Black Family Film Center, un auténtico templo del séptimo arte, dedicado a la proyección de películas clásicas, actuales y experimentales en sus 3 pequeñas salas.
Al bajar las escaleras desde el piso 1 hasta el sótano, encontrará un vestíbulo que actualmente alberga la exposición “Neelon Crawford, Filmmaker”, una fascinante proyección de películas experimentales en 16 mm de la década de 1970. Mezclando paisajes, luz, movimiento y una edición pausada, la instalación visual descubre las preocupaciones del artista, que tienen que ver con el cambio climático y la esperanza de sostenibilidad.
Dentro de la impresionante colección de 30 mil películas y 1,5 millones de fotogramas, también cabe destacar que el MoMA cuenta con la mayor recopilación de películas internacionales de Estados Unidos, que incluye todos los géneros y períodos en la historia del cine. cine. Su colección incluye los negativos originales de las legendarias empresas pioneras The Biograph Company y Edison Studios, así como la mayor colección de películas de DW Griffith, como la épica Intolerance (1916).
En este sótano, en algún momento han proyectado La última risa (1924), de FW Murnau; La pasión de Juana de Arco (1928), del danés Carl Theodor Dreyer; El ángel azul (1930), de Josef von Sternberg; Cuéntame tu vida (1945), del maestro del suspenso Alfred Hitchcock; La conversación (1974), de Francis Ford Coppola; y el inolvidable Fargo (1996), de Joel y Ethan Coen, que utilizan el humor negro como instrumento para revelar las complejidades de la psique humana. Ganador de dos premios Oscar y mejor director en el Festival de Cine de Cannes, es un ejemplo del cine estadounidense al rojo vivo.
2001: A Space Odyssey (1968), de Stanley Kubrick, es muchas cosas al mismo tiempo. Maravilloso. Solamente. Filosófico. Visionario. Poderoso. La famosa película del director neoyorquino sigue siendo tan actual como cuando se estrenó en 1968. La fotografía de Geoffrey Unsworth y los hermosos planos que han sido objeto de análisis en cientos de academias de cine son un referente en el género de la ciencia ficción. Hal 9000, el monolito, el astronauta Bowman, los viajes interestelares y el niño estrella, ya forman parte de la iconografía de la historia del cine.
Referenciada, honrada y parodiada hasta la saciedad, se trata de una película sobre la que se han escrito ríos enteros de tinta tratando de revelar sus estilizadas pero misteriosas imágenes. Proyectada en el MoMA en ciclos dedicados al género, la música de Strauss acompaña al espectador durante el metraje que representa un viaje introspectivo y filosófico sobre la muerte y los orígenes de la humanidad. Después de ver esta cinta, el cine no se puede volver a ver de la misma forma que antes. Hay un cambio profundo.
La lista continúa con la visionaria El viaje a la luna (1902), de Georges Méliès; la entrañable La fiebre del oro (1925), de Charles Chaplin; el comienzo de un imperio con Willie y el barco de vapor (1928), de Walt Disney y Ub Iwerks; El hombre de la cámara (1929), de Dziga Vertov, con el uso surrealista de las imágenes; Ciudadano Kane (1941), de Orson Welles, una de las películas más respetadas y analizadas de la historia; Ladrón de bicicletas (1948), de Vittorio De Sica y el neorrealismo italiano que sale a la calle a filmar la miseria.
La película es un medio frágil, si los negativos se almacenan incorrectamente, se agrietarán, romperán y eventualmente se convertirán en polvo. El color puede incluso desvanecerse. Deben estar en condiciones frescas y estables para su correcta conservación. El Centro de Conservación de Cine Celeste Bartos es el encargado de preservar la colección de películas del MoMA en los diferentes formatos que han ido apareciendo a lo largo del tiempo. Así, las joyas cinematográficas en su negativo original y copias de las mismas, tienen garantizada su correcta conservación para que las generaciones futuras puedan acceder a ellas.
Un ejemplo es el acorazado Potemkin de Sergei Eisenstein (1925), que es una poderosa obra maestra. Dividido en cinco capítulos magistrales, una maravilla en el uso del lenguaje y el montaje cinematográfico, que aquí mismo tiene su génesis, marcando el ritmo de la acción y cambiando para siempre la forma de hacer cine. Plano a plano, la historia de la revuelta del poderoso Potemkin y sus revolucionarias consecuencias, es una cátedra que ha sido reseñada mil veces por profesores y estudiantes de cine de todo el planeta. El drama que presenta y las secuencias ya icónicas de la escalera de Odessa, la carne podrida y el desenlace emocional, hacen de esta película una de las necesarias para comprender el alcance y la fuerza del séptimo arte.
Hay más: el primer western, Asalto y robo de un tren (1903), de Edwin S. Porter; la épica multiperspectiva de Rashomon (1950), de Akira Kurosawa; Tales of Tokyo (1953), de Yasujirō Ozu y su homenaje a la vejez; el introspectivo 8½ (1963), de Federico Fellini; el elegante y agresivo blanco y negro de Raging Bull (1980), de Martin Scorsese; y el videocollage Historias del cine (1988-1998), de Jean Luc Godard, son más ejemplos de la grandeza cinematográfica que protege el MoMA.
Pero el cine experimental y de vanguardia también tiene una presencia constante en el sótano del museo de arte moderno más importante de Nueva York. Uno de los cortometrajes experimentales más interesantes de la historia es A False Awakening (1943), de la estadounidense Maya Deren, una referencia al llamado cine de vanguardia. Una película de trance y carente de una estructura narrativa convencional, la protagonista entra en contacto con su inconsciente y queda atrapada en una serie de acontecimientos oníricos que se entrelazan con la realidad. Su importancia es tal que acabó influyendo en la labor de directores como Jean Cocteau, Luis Buñuel, David Lynch y Alejandro Jodorowsky.
Comienza antes de que llegue la audiencia y continúa después de que se hayan ido hasta el último visitante. Es El Reloj (2010), del artista suizo Christian Marclay, una desafiante película en blanco y negro de 24 horas que amalgama miles de secuencias de películas con relojes de pulsera, relojes de pared y todo tipo de representaciones del tiempo. Sus imágenes son un microcosmos de la historia del cine y un recordatorio aterrador de la mortalidad y el deterioro de la vida humana, que se desvanece minuto a minuto.
La conversación inacabada (2012), del ghanés John Akomfrah, comprende tres proyecciones de video sincronizadas. Describe la vida y obra de Stuart Hall, un activista cultural y teórico de Jamaica, una figura influyente en la Nueva Izquierda británica. La película entrelaza imágenes de archivo de eventos históricos con imágenes personales de la vida del protagonista. El título de la conversación siempre inacabada hace referencia al concepto de identidad y la reflexión de que pertenece tanto al futuro como al pasado.
How Not to Be Seen: A Fucking Didactic Educational .MOV File (2013), del artista visual alemán Hito Steyerl, es un video de ensayo de 14 minutos que pretende ser un instructivo satírico que describe estrategias para permanecer invisible en una era de hipervisibilidad. total. Una voz robótica escupe las observaciones a medida que las imágenes reales y virtuales se mezclan e interactúan entre sí. Un trabajo sumamente interesante, el video medita sobre la tensión entre las posibilidades de la tecnología para monitorear a los humanos y la invisibilidad metafórica de las poblaciones marginadas.
Desde su primera sede provisional en seis galerías y salas de oficinas en el piso 12 del edificio Heckscher en Manhattan, en la esquina de la Quinta Avenida y la Calle 57, el Museo de Arte Moderno de Nueva York se trasladó a otras tres ubicaciones temporales durante los próximos diez años. años, hasta llegar a su ubicación actual. El icónico edificio fue diseñado por los arquitectos modernistas Edward Durell Stone y Philip L.Goodwin, pasando por diversas renovaciones y ampliaciones, como la realizada por el arquitecto japonés Yoshio Taniguchi en 1997.
En constante crecimiento y expansión, MoMA se fusionó desde 2000 con PS1, una organización que transforma edificios abandonados en la ciudad de Nueva York en talleres de artistas y enormes espacios de exhibición. MoMA PS1 es un centro dedicado al arte contemporáneo ubicado en Long Island City, en el distrito de Queens, que apoya constantemente a artistas emergentes y capta otras audiencias.
Las galerías de la colección permanente del MoMA están en constante evolución, con un plan de rotación de doce meses para las obras, por lo que la experiencia de visitarla en diferentes años siempre será nueva y diferente. El museo funciona en su conjunto como un laboratorio cultural en el que personas de todo el mundo pueden explorar la relación entre el arte contemporáneo y el arte del pasado cercano. Las diferentes salas invitan al visitante a crear sus propios recorridos y explorar el sitio, conversando visual y sensualmente con muchos de los artistas más importantes de los siglos XX y XXI.
El Museo de Arte Moderno de Nueva York es un lugar que mantiene una activa agenda de exposiciones temporales que abarcan diversas vanguardias, temáticas y artistas, que hoy generan expresiones artísticas con los medios más inesperados. Pero sobre todo, el MoMA es un templo del arte, un santuario artístico comprometido con el fomento y la difusión del conocimiento y la pasión por el arte contemporáneo.